“Trato de expresar la historia con la cámara, llegar al corazón de la historia con imágenes. En la guerra miro las cosas en primer lugar en términos de gente y después en términos de estrategia o de daños… Para contar una historia no fotografías cien civiles muertos para probar que hubo cien civiles muertos, fotografías un civil muerto con una expresión en el rostro que diga: Esto es lo que significa ser un civil muerto en Vietnam” Horst Faas

Nace en Berlin el 28 de abril de 1933, crece durante la Segunda Guerra Mundial y, como todos los jóvenes alemanes, es reclutado para formar parte de las juventudes nazis, creciendo en medio de las batallas aéreas. Cuando la guerra termina en el 45 toda la familia huye hacia el norte para evitar el avance del ejercito ruso en Berlin y dos años después se asientan en Munich. Con quince años y durante la ocupación aliada se convierte en el batería de una banda de jazz pese a que nunca aprende a tocar, tan sólo toca.

Comienza su andadura fotográfica en el 51 con la Keystone Agency, cubriendo entre otras cosas las negociaciones de paz de Indochina que tienen lugar en Ginebra en el 54 dos años después ficha por Associated Press cubriendo conflictos en el Congo y Argelia en el 60.

Dos años después le envían a cubrir la guerra de Vietnam, como jefe de fotografía para AP, donde no sólo realiza un reportaje que va a ser premiado con el Overseas Press Club’s Robert Capa Award  y su primer Pulitzer en el 65, si no que además desarrolla su faceta de editor, reclutando y entrenando nuevos talentos extranjeros y vietnamitas. Creando lo que se conoce como la Horst’s Army. Uno de sus protegidos es Huynh Thanh My, un actor convertido en fotógrafo que en el 65 entra a formar parte de la plantilla de AP y es uno de los dos fótografos survietnamitas entre los 70 que mueren durante los 15 años de conflicto. El hermano menor de My, Huynh Cong “Nick” Ut, sigue sus pasos en AP tras su muerte y pasa a estar bajo el tutelaje de Faas.

Corpulento pero muy ágil, al tiempo que se hace cargo de la edición de los fotógrafos de AP, pasa mucho tiempo en el campo de batalla y cuando se encuentra en Bu Dop, el 6 de diciembre del 67 le alcanza una granada y resulta gravemente herido hasta el punto de que si no hubiera sido atendido en el momento por un joven médico del ejercito americano. Con muletas y enclaustrado en la oficina no puede cubrir la Ofensiva Tet en febrero del 68, pero continúa distribuyendo el trabajo de los fotógrafos de AP con mano de hierro y cuando Eddie Adams llega con una de las que se va a convertir en una de las imágenes más famosas de la guerra de Vietnam donde se ve a un jefe de la policía nacional vietnamita ejecutando a un prisionero Viet Cong en la calle Saigon, se encarga de distribuir la imagen hasta conseguir su publicación de la misma forma que lo hará cuando en el 72, Nick Ut se presenta con otra grande, la de la niña quemada por el napalm, ambas premiadas con sendos Pulitzer y que consiguen remover las conciencias y planteamientos sobre esa guerra en los propios Estados Unidos.

Forma equipo a menudo con otro reportero de AP, Peter Arnett con quien realiza exclusivos reportajes como la historia de la Compañía A, una unidad del ejército americano que en el 69 se resiste a cumplir las órdenes de atacar al enemigo, Horst es testigo de este momento mientras trata de alcanzar el lugar donde un helicóptero se ha estrellado causando la muerte de siete soldados americanos y el fotógrafo de AP Oliver E. Noonan.

En el 70 se marcha de Saigon para convertirse en el fotógrafo itinerante de AP en Asia con base en Singapur. Dos años después cubre las Olimpiadas de Munich y los atentados en los que asesinaron a los atletas israelíes y también es el año en el que gana su segundo Pulitzer, esta vez compartido con Michael Laurent, por las fotografías que realizaron sobre las torturas y ejecuciones en Bangladesh. Estas fotos no están exentas de controversia, pues varios fotógrafos afirmaron que si no hubieran estado allí no si hubiesen producido esos actos. Varios de ellos se fueron entre los que estaban Marc Riboud de Magnum, Peter Skingley de UPI, entre otros mientras que otros, como Faas y Laurent se quedaron ya que consideraban su deber quedarse y contar la historia, Faas mantiene que Skingley y compañía, no se fueron por imperativo moral sino porque llevaban mucho tiempo por allí sin que pasase nada y comenzaba a oscurecer.

Varias de las imágenes de este reportaje conmocionaron en Delhi e Indira Gandhi, por entonces primer ministro, ordeno a los soldados indios ayudar a la liberación Bengalí para detener este tipo de incidentes. Michael Laurent se convertirá en el último fotógrafo abatido de la guerra de Vietnam, muriendo dos días antes de la caída de Saigón en el 75 mientras trabajaba para la agencia francesa Gamma.

En el 76, Faas se muda a Londres para convertirse en el editor de AP para Europa donde se quedará hasta que se retire en el 2004.

En el 98 recibe de manos de Tony Blair el Premio a toda una carrera de la British Picture Editor’s Guild. Compagina su trabajo en AP con simposios internacionales sobre fotoperiodismo. Mientras se encuentra en Hanoi en uno de ellos enferma hasta el punto de que pierde toda movilidad y sensibilidad de cintura para abajo debido a un derrame en la espina dorsal. Lo que no le impide mantenerse activo y dejar de viajar, preparar exposiciones, pese al deterioro de su salud en 2008. Muere a la edad de 79 años el 11 de mayo de 2012.

Referencias:

El País

AP

AP (fotos)

The Telegraph

Iconic Photos

The Washinton Post

National Press Photographic Association

You Tube

The Daily Mail

Y sólo queda decir que espero que disfrutéis del fin de semana, nosotros andaremos de curso! Buena suerte!!

Sandra Blanco

“Me gusta ver fotos, de cualquier tipo. Y todas esas cosas que absorbes salen subconscientemente de una forma u otra. Estarás haciendo fotos y de repente sabes que dispones de los recursos que necesitas gracias a haber visto un montón antes. No hay manera de evitarlo. Pero esta clase de influencia subconsciente es buena y puede trabajar para uno mismo. De hecho, cuanto más fotos ves, mejor fotógrafo eres” Robert Mapplethorpe

Nace en Floral Park, Queens en 1946, un buen barrio donde pasa una infancia segura pero que no le cuesta abandonar. En el 63 comienza a estudiar dibujo, pintura y escultura en el Prat Institute de Brooklyn donde, influenciado por artistas como Joseph Cornell y Marcel Duchamp, comienza a experimentar con varios material y a realizar collages a base de recortes de libros y prensa. En el 67 conoce a Patti Smith con quien se muda tres años después al Chelsea Hotel, ese mismo año se compra una Polaroid para hacer sus propias fotos para los collages.  En seguida se encuentra satisfecho con las fotos que hace. En el 72 comienza una relación con Sam Wagstaff, que había sido comisario del Wadsworth Atheneum en de Hartford y del Detrooit Instute of Arts que se convertirá en su amante y mentor. Es Sam quien le anima con la fotografía y le ayuda a editar su trabajo “Polaroids” para su primera exposición en solitario que tiene lugar un año después en la Light Gallery de New York.

En el 75, se compra una Hasselblad de medio formato y se dedica a hacer fotos de sus amigos y conocidos entre los que se encuentran varios artistas de todo tipo: músicos, pintores, escritores, actores porno, gente de la alta sociedad, del mundo sado-masoquista. Comienza a trabajar también de forma comercial creando las portadas para Patti Smith, la la televisión y comienza ha hacer retratos de encargo y eventos para Interview.

A finales de la década de los 70 crece su interés por el mundo sadomasoquista y la serie resultante sorprende tanto por el contenido como por su dominio de la técnica y forma. En el 76 participa en Documenta 6 en Kessel en la Alemania del Oeste, en el 78 publica ediciones limitadas del X Portfolio e Y Portfolio, mientras que X es una recopilación de las fotos del mundo sado maso, Y se centra en una serie de flores y naturalezas muertas ese mismo año la Robert Miller Gallery de New York se hace con su representación en exclusiva.

En 1980 conoce a Lisa Lyon, la primera campeona mundial de culturismo femenino y a quien retrata durante varios años, colaboración que da como resultado una serie de retratos y de estudios de la figura, un documental y el libro Lady, Lisa Lyon. Y en el 81, publica el Z Portfolio, también en edición limitada y centrado en hombres negros. Introduce y redefine diferentes técnicas y formatos como Polaroids enormes, fotograbados, platinotipias en papel y sábanas…

En el 86 diseña el escenario para la obra de danza de Lucinda Childs “Potraits in Reflection” crea una serie de fotograbados para “A Season in Hell” de Arthur Rimbaud y, Richard Marshall le encarga una serie de retratos de los artistas neoyorkinos para el proyecto y libro “50 New York Artists”. Es en este año cuando le diagnostican el SIDA, pese a su enfermedad continúa y amplía sus esfuerzos creativos y aceptando encargos. Un año después muere Sam Wagstaff también a causa del SIDA, al año siguiente Robert crea una fundación para apoyas la investigación del VIH y proyectos fotográficos.

En el 88 el Whitney Museum os American Art de New York presenta su primera retrospectiva. El 9 de marzo de 1989 muere a causa del SIDA y poco después de su muerte una exposición itinerante “Robert Mapplethorpe: The Perfect Moment” arraca en el Institute os Contemporary Art de Philadelphia creando una gran controversia. El Senador Jesse Helms destruyó uno de los catálogos de la exposición en el interior de la sala del Senado de los Estados Unidos y comenzó un acalorado debate criticando los fondos públicos destinados a las artes. Debido a la presión política, la Corcoran Gallery de Washington, D.C. canceló la exposición justo antes de su inauguración. Lowell Nesbitt Blair dio un paso adelante; amigo de Mapplethorpe y revela que ha dispuesto un legado en obras por un valor estimable en 1.500.000 dólares para el museo en su testamento promete que si el museo se niega a acoger la exposición de Mapplethorpe revocaria su legado. El Corcoran se niega y Lowell Nesbitt Blair cambia el destino de su legado a la Colección Phillips. Mientras la comunidad de artistas de Washington, en represalia, ofrecen una presentación nocturna de diapositivas de las fotos más explícitas sobre la fachada de mármol de la Corcoran. Y una pequeña organización artística sin ánimo de lucro, el Proyecto de Washington para las Artes recoge y muestra las imágenes en su propio espacio, desde el 21 de julio al 13 de agosto de 1989. Un modesto edificio que pasa de 40 a 4000 visitantes en un fin de semana.

Podéis encontrar más información sobre su trabajo y obra en la Fundación Mapplethorpe, también en Wikipedia.

Os dejamos también un documental que encontró Circe Portillo, en inglés.

Otras referencias utilizadas son del Washington Post y os dejamos también un artículo aparecido en Smoda de El País con motivo de la presentación en París de la exposición comisariada por Sofia Coppola el año pasado.

Gracias a Circe por la sugerencia y la labor de investigación Y eso es todo, pasad un buen finde/puente y buena suerte, always.

Sandra Blanco

“Deseaba capturar toda la belleza que tenía ante mi y a la larga el deseo ha sido satisfecho” Julia Margaret Cameron

Nace en Calcuta en 1815, la cuarta de siete hermanas y considerada el patito feo entre ellas, su padre era un oficial de la East India Company y su madre era descendiente de la aristocracia francesa. Recibe la mayor parte de su educación en Francia e Inglaterra antes de regresar a Calcuta en 1834. Dos años después viaja a Cape Town donde conoce al científico y astrónomo Sir John Herschel que se convertirá en un gran amigo y la apoyará en su carrera fotográfica. En el 37 conoce a Charles Hay Cameron, veinte años mayor que ella y con quien se casa en Calcuta en 1838. Su marido es un de los grandes impulsores de la reforma de las leyes y la reforma educativa de la India. La siguiente década Julia vive y se adentra en la vida social y la política colonial del país y se centra en su familia con su recién estrenada maternidad.

Varias de sus hermanas se casaron y se mudaron a Londres, los Cameron envían allí a sus dos hijos mayores para que reciban su educación y cuando Charles se retira en 1948, el resto de la familia se reúne con ellos y se establecen en Kent en un primer  momento. Entablan relación enseguida con la hermana de Julia, Sara Prinsep, quien abre un salón en Kensington, Londres y es allí donde Julia se introduce en una importante red de escritores y artistas, se codea entre otros con G. F. Watts, William Holman Hunt, Tennyson, Robert Browning y Henry Cole, este último es el director fundador del South Kensington Museum que más tarde será conocido como el Vitoria and Albert Museum.

Cuando en 1859 Charles Cameron viaja a Ceylon para inspeccionar las plantaciones familiares, Julia visita a los Tennysons en Freshwater, localizada en la Isla de Wight donde compra dos casas de campo y estable el nuevo hogar familiar, Dimbola Lodge. En seguida artistas, intelectuales y escritores comienzan a reunirse tanto en las residencias de los Tennysons como de los Cameron. En el 57, les visita el fotógrafo Reginald Southey, le sigue otro, Charles Dodson (Lewis Carrol) en 1862 y un año después es Oscar Rejlander, quien fotografía a ambas familias y quien instruye y colabora con Julia en la composición.

En diciembre de 1863, con 48 años, recibe de regalo una cámara de fotos de su hija mayor Julia y el marido de ésta, Charles Norman. Ya antes se había relacionado con varios procesos fotográficos, imprimiendo negativos y fotogramas, editando y formando álbumes para regalar, posando y ayudando en la composición de las mismas. Convierte el almacén de carbón en un cuarto oscuro, el gallinero en estudio y comienza a investigar la fotografía intensamente etiquetando el retrato que realiza de Annie Philpot como “Mi primer éxito” en enero del 64. Desde ese momento comienza a trabajar incansablemente fotografiando, imprimiendo, promocionando y distribuyendo su trabajo tan lejos como le es posible. Empieza a registrar sus imágenes en la British Copyright Office y se convierte en miembro de las Sociedades Fotográficas de Londres y Escocia. Comienza a exponer y vender su trabajo y en 1865 los marchantes de Colnaghi se hacen cargo de su representación.

Su técnica, dejando de forma consciente manchas y borrones o daños del negativo) y sus efectos fuera de foco la convierten en blanco de las críticas en su época, pese a lo que recibe numerosos premios como la medalla de oro de Berlin en el 66 y menciones honoríficas en exposiciones internacionales. Una de sus mayores evoluciones se produce en el 66 cuando cambia su cámara por una nueva capaz de contener placas húmedas de 20×25 y 30×40, para conseguir los desenfoques utiliza objetivos que no cubren el formato de las placas. No amplía sus fotos si no que las imprime al tamaño que le da la placa. Una de sus modelos favoritas es su sobrina Julia Jackson que es la madre de la aclamada escritora Virginia Woolf

En el 73 muere su hija y un año después comienza a escribir “Annals of my glass house” una obra autobiográfica donde nos cuenta su vida por la fotografía, inicio, el por qué de su técnica y la relación y anécdotas con sus modelos y amigos.

Profundamente religiosa produciendo en ocasiones imágenes religiosas e ilustrando leyendas sagradas. Su interés por la literatura y la poesía le llevan a producir dos volúmenes de ilustraciones fotográficas para la obra de Tennyson Idylls of the King a petición del autor

En octubre del 75, los Cameron se mudan de Freshwater a Ceylon, donde Charles había adquirido plantaciones de café y caucho en la isla y estaban siendo administrados por tres de sus hijos bajo condiciones agrícolas y financieras muy duras. Allí, a causa de las complicaciones existentes para conseguir los materiales necesarios su trabajo decrece de forma significativa y apenas se conservan fotografías de aquel período.

Tras mudarse a Ceylon sólo visitan de nuevo Inglaterra en mayo de 1878, al año siguiente tras una breve enfermedad muere en Kalutara, Ceylon a los 63 años.

Podéis encontrar mucha más información por la red, de hecho tengo que admitir que en esta ocasión, prácticamente me he limitado a traducir un artículo más que completo de Magda Keaney, comisaria de la National Portrait Gallery de Canberra y que el mismísimo Victoria & Albert Museum publica en su web. Si vais por Londres, que no se os pase ir a visitarlo pues tienen en su colección permanente obra suya y de otros muchos fotógrafos que hay que conocer J

Cómo no, también le he echado un vistazo en Wikipedia, versiones en inglés y en español .

Para ver sus retratos con pequeñas descripciones sobre ellos podéis dirigiros al J. Paul Getty Museum

Y eso es todo, como un viernes más, sólo me queda desearos un buen fin de semana y buena suerte!

Sandra Blanco

“Tengo que disparar tres carretes al día, incluso cuando no estoy ’fotografiando’ para mantener el ojo entrenado” Josef Koudelka

Nace el 10 de enero del 38 en Biskovice, un pueblecito de la provincia de Moravia, en la antigua Checoslovaquia. Comienza a una edad muy temprana a hacer fotos con una Bakelite 6×6 con la que retrata principalmente su entorno familiar. En el 56 se muda a Praga para estudiar Ingeniería Aeronáutica en la Universidad Técnica Checa, porque algo tiene que estudiar.  Se encuentra estudiando cuando conoce al fotógrafo Jiri Jenicek, que le anima a reunir una serie que se expone el mismo año de su graduación, 1961. Durante la inauguración, en el Teatro Semafor de Praga, conoce a Anna Fárová que será su amiga y colaboradora durante toda su vida.

Trata de combinar su trabajo como ingeniero en Praga y Bratislava pero con la fotografía, en ese momento se encuentra colaborando con revistas y compañías de teatro, que junto con su interés por la música tradicional le lleva a tomar contacto con los gitanos. En el 62 se embarca en un proyecto, que durará ocho años, sobre los gitanos de Checoslovaquia. Enseguida su trabajo llama la atención de Anna, quien enseña el trabajo de Josef a Allan Porter, el editor de la revista Suiza “Camera” y a John Szarkowski, director de fotografía en el MoMA. El trabajo se publica por primera vez en Camera en el 67. Es en este mismo año cuando decide abandonar su carrera como ingeniero y dedicarse exclusivamente a la fotografía. También recibe su primer premio de la Asociación de Artistas Checoslovacos.

En el 68 se encuentra viajando por Rumania, donde continúa trabajando sobre el estilo de vida de los gitanos y justo un día antes de que comience la invasión de Checoslovaquia por parte de las tropas del Pacto de Varsovia. Comienza a documentar los enfrentamientos entre las tropas rusas y checoslovacas. Las imágenes que capta de la invasión de Praga fueron sacadas de contrabando y distribuidas por la agencia Magnum, que en esos momentos preside Elliot Erwitt, a la prensa mundial. Cuando todavía es conocido por P.P. (Prague Photographer) con el fin de salvaguardar su vida, recibe el Robert Capa Prize.

En 1970, Koudelka sale de su país y tras pasar tres meses fotografiando gitanos en el oeste de Europa, cuando expira su visado, decide no regresar y consigue asilo político en el Reino Unido. Establece su base en Londres desde donde se dedica a continuar viajando fotografiando celebraciones populares y gitanos. Al año siguiente, Elliot Erwitt le propone que entre a formar parte de Magnum y pese a que acepta, se mantiene apartado todo lo que puede de cualquier tipo de encargo y continua con sus viajes. Conoce a Henri Cartier-Breson y a Robert Delpire de quienes aprende todo lo que puede, además este último se convertirá en su editor.

En el 75, Szarkowski le abre las puertas del MoMA para una expo en solitario al tiempo que se en París el libro Gitans: la Fin du Voyage (Gitanos: el final del viaje).

En el 78 recibe la beca Prix Nadar, por su trabajo con los gitanos. Dos años después se instala en Francia. Continua viajando y fruto de sus viajes nace su proyecto Exilio donde se centra en la vida cotidiana de países como España, Italia, Portugal, Irlanda centrándose en las conexiones existentes al su pasado y sus tradiciones, con una gran carga religiosa.

Empieza a juguetear con el medio formato panorámico y para cuando el gobierno francés le encarga un proyecto para documentar los paisajes franceses a finales de siglo utiliza éste formato un año antes de nacionalizarse francés, en el 86. A raíz de este trabajo comienza a fotografiar paisajes devastados de la era post-industrial por todas partes Berlín, Beirut, Polonia, Grecia, Ucrania, , Gales… y por primera vez desde que salió de allí, Cheoslovaquia, donde vuelve por primera vez en 1990, donde también produce El Triángulo Negro, un estudio de los paisajes de su país natal arrasado por la industralización y las catástrofes medioambentales donde toda presencia humana desaparece.

Tras nueve años de bagaje en busca de las ruinas de la civilización morderna y las consecuencias de su abandono, comisariado por Robert Delpire, surge Caos.

Continua ganando becas y premios como el Premio Cartier-Bresson, la Medalla de la Royal Photographic Society o el Premio de la Hasselblad Foundation Photography y ha sido nombrado Caballero de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura Francés, que le permiten seguir trabajando a su manera sin depender de los encargos y, cuando estos surgen, es capaz de llevárselos a su propio terreno.

Según lo que he podido leer a fecha de hoy se encuentra viviendo tranquilamente en Praga, repasando sus negativos.

Si queréis seguir indagando en la vida y obra de Koudelka aquí os dejo el listado de referencias y otras páginas de interés:

Magnum

Wikipedia

American Suburb X

Chequia.cz

20 minutos

Horvatland.com

Y ahora a pasar un buen fin de semana y un gran puente quienes lo disfruten! buenas tardes y buena suerte!

Sandra Blanco

“Hago fotografías para recordar, no el propósito, sino mis propios sentimientos y reacciones” Jeffrey Silverthrone

Nace en Honolulu, Hawaii, en 1946. Estudio Bellas Artes en la Rhode Island School of Design en Providence (Rhode Island) para continuar con un Máster de Enseñanza de Arte y otro Máster en Bellas Artes en la misma escuela en el 77. ¿Por qué dejó un lugar como Hawaii y se traslado a Rhode Island? Aquí no lo vais a averiguar, lo que si os puedo decir es que cuando comenzó con la fotografía empezó haciendo retratos muy pronto y con una atmósfera intranquila y extraña.

A comienzos de los 70, aunque le da la espalda a la objetividad continúa manteniendo a sus personajes a cierta distancia. En esta época comienza a infiltrarse en el mundo de los travestis y transexuales, en la serie resultante “Female Impersonators, 1971-1974” donde pese a que sobretodo le interesa la transformación, no deja aparte el lado más sórdido ni los estereotipos eróticos.

En el 72, le autorizan a fotografiar en la morgue de Rodhe Island, de donde surge un proyecto, Morgue Work, 1972-1991 dando réplica a Diane Arbus que había declarado que en estos lugares no hay nada que fotografiar. El horror de los detalles que están enfatizados a través de los picados de cámara que contrasta con la suavidad de algunas imágenes en las que los cuerpos parecen que están dormidos.

Desde sus comienzos Silverthorne ha estado trabajando en escenas preparadas y de la una pequeña vuelta con Silent Fires donde se inspira en el mito de Orfeo y Eurydice donde hace referencia al pecado original con una pera. Comienza a trabajar también con el collage creando realidades nuevas. Escribe en los negativos, corta y superpone imágenes como se puede ver en Letters from the Dead House. Continuando en esta línea con The Detroit Negatives, 1991-1994.

A finales de los noventa vuelve a centrase en un colectivo en concreto los góticos quienes sienten la necesidad de parecer y existir fuera de la norma, creando la serie Goth, 1999-2001.

Desde finales de los 80 hasta la primera década del 2000 trabaja habitualmente en la frontera mexicana, centrándose en los mexicanos que tratan de cruzar la frontera y las prostitutas de Nuevo Laredo, Tex Mex 1986-2007 y, posteriormente el libro Boystown son el resultado de estos viajes que según palabras del mismo Silverstone son al mismo tiempo una celebración de la vida y una observación de la pobreza espiritual y el fracaso económico de ambos países.

Terminando con uno de sus últimos trabajos, Susanna and the Elders, 2004-2007, en la que Silverthorne se autorretrata el envejecimiento de su cuerpo junto a jóvenes desnudas donde nos habla de la moral, leyes y la trasgresión que le ha acompañado durante tota su carrera.

Ganador de varios premios, con muchas exposiciones a sus espaldas y cuatro libros publicados, actualmente da clases en Rhode Island University y de vez en cuando realiza algún workshop por el resto del mundo.

Para más información, comentaros que Wikipedia en este caso os va a servir de poco (ni siquiera para averiguar cómo y por qué cambió Hawaii por Rhode Island), si que podéis averiguar algo más de él en una entrevista que aparece en contemporarytalks.com

Y para ver más a fondo su trabajo lo podéis hacer entre la Agencia y la Galeria de VU

Buen fin de semana y buena suerte!

Sandra Blanco

“He notado que cuando doy testimonio y tengo una cámara entre las manos no siento el frío, no siento el calor, no tengo miedo, he nacido para esto y lo ignoraba” Christine Splengler

Nacida en Francia, por el divorcio de sus padres se viene a vivir a Madrid con sus tios Luis y Marcelita, mientras su hermano Eric se queda en un internado en Marsella, su tío la lleva a las Ventas desde que tiene 7 años y más adelante es ella quien se escapa del Liceo Francés para ver a los toreros. En un primer momento lo que le interesa en la escritura por lo que estudio literatura española y fracesa.

Su encuentro con la fotografía es fortuito: Tras la muerte de su padre en Alsacea

En el 70, se va con su hermano Eric hacia el sur, terminan en el Chad donde les hacen prisioneros durante 23 días acusados de espías o periodistas. Eric que es fotógrafo de moda y le presta una de sus Nikon con un gran angular, un 28 mm, al que es fiel toda su vida. Y allí empieza a hacer sus primeras fotografías para dejar testimonio de las causas justas y los oprimidos. Tras el Chad, mientras le dice a su tía que se va al Café Gijón o cosas parecidas, viaja sola a Irlanda del Norte, el reportaje que realiza allí, Carnaval en Belfast se publica en un principio en Informaciones, más tarde lo publicarán en Life , Paris-Match. Poco después se marcha a Vietnam donde trabaja para Associated Press. En marzo del 73, mientras se encuentra en el hotel Continental de Saigón, recibe la noticia del suicidio de su hermano Eric a través de un telegrama. Afirma que, desde ese momento “Me convertí en una viuda, y desde entonces me vestí, fotografie y soñé en blanco y negro”.

Decir que pasa unos años oscuros es poco, pierde totalmente el miedo por su vida y como no le importa morir hace cosas como no ponerse el chaleco antibalas, no se esconde en los búnkers y hace las fotos de pie.

Cuando se encuentra haciendo fotos piensa en el presente, la cámara de fotos es como una pantalla contra el terror a través de la cual sólo ves una porción de lo que está pasando.

Durante una de sus fotos más famosas del bombardeo de Camboya, fotografía la desolación sin pensar en las bombas que estallaban a su alrededor.

Ha estado amenazada en muchas ocasiones, unas veces de forma consciente y otras no. En el 82, trabajado para Sygma, la detienen en Beirut oeste, los milicianos palestinos convencidos de que se trata de un “agente enemigo sionista” ignorando su condición de periodista y la llevan maniatada y con los ojos vendados a un local con ocho prisioneros más donde la someten a un intenso interrogatorio, con amenazas y tirones de pelo incluidos, los responsables de la Organización para la Liberación de Palestina. Liberada, gracias a las gestiones de amigos periodistas y de la embajada de Francia, recibe las excusas de un dirigente palestino tras lo cual y pese a seguir afirmando que comprende la causa palestina declara que algunos de los defensores de dicha causa se exceden en sus relaciones con la prensa.

Sus fotos de guerra son en blanco y negro como símbolo de muerte y duelo, y su respeto por ellos. El color lo reserva para temas muchos menos terroríficos.

Cuando va al funeral de su madre donde conoce a Phillipe, muy parecido a su hermano, se enamora y desde entonces retrata la paz y la memoria en color.

Recibe la medalla de la Legión francesa, la mayor distinción que el gobierno concede a un civil, escribe a Sarcozy para pedirle que le hagan entrega de la misma en Madrid, la que considera su ciudad.

Pese a que Nikon le ha tentado con alguna que otra cámara digital, le sigue siendo fiel al analógico. Considera a Goya como su primer y único maestro y considera que se lo debe todo al Museo del Prado.

Si queréis ver trabajos suyos más actuales, aparte del Imágenes de Google, podéis visitar su blog:

Christine Spengler

Os dejo una entrevista realizada para Sermadridsur

Y otra para R5

Y en El País podéis encontrar una serie de reseñas y entrevistas que tienen en su archivo.

Y otra entrevista muy interesante en Diván el Terrible

Buenas noches y buen finde!!

Sandra Blanco

“

Nace en Almería en 1943. Estudia diseño industrial y energías alternativas. Aunque no he sido capaz de encontrar el porqué ni siquiera en su web, comienza a trabajar como redactor gráfico en la revista triunfo y aunque se le considera el padre del surrealismo fotográfico en España, sus primeros veinte años de trabajó como reportero documental realizando entre otras una serie de fotografías en 1970 que no vieron la luz ni la verán. Como cuenta Manuel López en Periodistas en español.org, en 1976 les ofreció a Cuadernos para el Diálogo por un precio alto a la par que razonable y bajo la condición de que no apareciera su firma, pues su vida correría peligro. Se trataba de las fotos de viejos falangistas mostrando sus pistolas debajo de las chaquetas en una de las concentraciones de apoyo a Franco en la Plaza de Oriente los  Primeros de Octubre que se celebraron 6 años antes. Con motivo de la crisis que sufren en ese momento no se las compran.

También ocupa el cargo de vocal de ediciones en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid.

En el 71, es uno de los fundadores de la revista Nueva Lente, donde cuatro años después se hace cargo de la dirección artística de la revista hasta febrero de 1979. Durante este periodo convierte la revista en un proyecto vanguardista e innovadora, impulsando la fotografía por medio de convocatorias abiertas y sin restricciones. Se hace un gran esfuerzo también por mostrar en sus páginas las vanguardias internacionales del momento y sirve como vehículo al propio Rueda para dar a conocer sus ideas y su trabajo.

Funda también la revista Aquí Imagen y se hace cargo de numerosas direcciones editoriales al tiempo que colabora en diferentes publicaciones como Hetier-Paris, Panorama-Amsterdam, Ruedo Ibérico y Triunfo.

Es en el 91 cuando la exposción Cuatro Direcciones. Fotografía Contemporánea española 1970-1990 en el Museo Reina Sofía y la inclusión de su fotografía Pepín 75 como portada del catálogo te catapulta no sólo por el país, sino por Europa y América.

Aparte de su actividad docente en numerosas universidades, es comisario en los Encuentros Internacionales de Fotografía de Arlés y dirige en varias ocasiones los Encuentros fotográficos en Andalucía (FOTOPLIN).

Por aquel entonces ya estaba viviendo tranquilamente en Alozaina, un pueblo perdido de la sierra de Málaga, donde la única forma de comunicarse telefónicamente con él era a través del teléfono del bar, cuyo dueño le avisa cuando éste pasa por allí.

Mientras expone por todo el mundo desde Málaga o Ibiza hasta Tokyo, Beirut o New York. En octubre 2007 inaugura junto a Emilio Morenatti en la nueva etapa del Centro Andaluz de la Fotografía (CAF) Human, que abarca toda su vida y evolución artística desde 1970 hasta el 2007.

El 17 de noviembre de 2011 tras una rápida enfermedad muere en Alzoaina dejando como albacea y responsable de su testamento a su hermano Eloy. La última voluntad decía así:

“Los archivos fotográficos en forma de clichés, diapositivas y fotografías de cualquier tamaño, repartidos en diversos lugares de mi domicilio, sean concienzudamente quemados y/o destruidos por mi albacea, junto al material informático, formado por ordenadores, discos duros portátiles, CD y DVD, debiendo sólo respetarse los catálogos, libros y publicaciones impresas” (Incluidas fotos mencionadas de las concentraciones en la Plaza de Oriente que mencionaba al principio). En el interior de la maleta que contiene la mayor parte de su archivo encuentran la siguiente nota en la que figuran sus motivos para la: “para que las alimañas carroñeras que me acosaron en vida no se aprovechen de mis despojos” Hasta el punto que también es su última voluntad el que tiren sus cenizas a la basura.

Os voy dejando con su web.

También podéis visitar Human estos días y hasta el 26 de mayo de 2012 en el Centro de Arte de Alcobendas.

Aquí tenéis un video en el que Pablo Juliá del CAF habla sobre Human

Una entrevista que le hicieron para Nikonistas.

Y eso es todo. Pasad un buen fin de semana que disfrutéis de las vacaciones los que las tengáis y hasta la próxima.

Sandra Blanco

Referencias:

Jorge Rueda, ¿punto final? de Manuel López

Jorge Rueda, un autor irrepetible de Manuel López

Rueda y Morenatti inician el nuevo CAF (El País)

El papel de la fotografía de la BNE

Desvarío Intelectual a Todo Color de José María Díaz-Maroto (Catálogo Jorge Rueda, Human del Centro de Arte de Alcobendas)

Y  Wikipedia, aunque cada vez la miro menos

“Me gusta la foto fija porque es más aterradora que una imagen en movimiento y con sonido. Una película es más interesante, una fotografía es más pavorosa. Me va más el drama que es la fotografía” Lise Sarfati

Nace en 1958 en Francia. Con trece años su madre la lleva a visitar mujeres mayores que se estaban muriendo, ante lo deprimente del tema coge una cámara y decide fotografiarlas, transformando esta experiencia en un juego. Cuando mueren su madre le pide que fotografíe las habitaciones vacías. Es su madre la que le regala su primer libro de fotografía, un monográfico de Diane Arbus.

Con 15 años va a Rusia por primera vez, pasando las vacaciones en Sochi, en la costa del Mar Negro. Su fascinación por ese país le lleva a estudiar Cultura Rusa en la Sobornne, París  donde realiza un Máster y escribe su tesis sobre la fotografía rusa de los años 20. En 1991 vuelve a Rusia donde vive hasta el 2000. Allí realiza una serie de fotografías en Moscú, San Petersburgo y en Vologda en la zona norte de Rusia, donde enfrenta las construcciones más antiguas del campo con las metálicas características de la época Soviética, incluyendo interiores destruidos o deteriorados con retratos de adolescentes encerrados en reformatorios y jóvenes homosexuales pertenecientes al movimiento de individualización que surge entre 1995 y 2000 tras la disolución de la Unión Soviética que se convierte en el 2000 en su primer libro “Acta Est” editado por Phaidon.

En 1994 participa en la producción de “C’est moi, c’est Roger” por el que reciben el Prime à la qualité del Centre National du Cinéma de Paris.

En el 96 le otorgan el Prix Niepce (Paris, Francia), tiene lugar su primera exposición en el Centre National de la Photographie de Paris. También recibe el Infinity Award que concede el International Center of Photography de New York.

Un año más tarde, en el 97, entra a formar parte de la Agencia Magnum, convirtiéndose en miembro titular en 2001.  En 2003 se traslada a Estados Unidos donde comienza sus series de retratos de adolescentes. Centra su trabajo en los suburbios de las grandes ciudades o en ciudades pequeñas eligiendo la los personajes con mucho cuidado. Resultado de estos trabajos son sus series “Austin, Texas”. “The New Life”, “Inmaculate”.

Continúa trabajando y viviendo entre Paris y Estados Unidos, donde sigue realizando más proyectos fotográficos como sus dos trabajos más recientes:
“On Hollywood” serie realizada entre 2009 y 2010 en la ciudad de Los Angeles, California, Hollywood como el icono de un sueño americano trasnochado que se enfrenta a la situación real que viven sus protagonistas en Los Angeles de nuestros días. Lise describe a sus personajes como “juguetes conscientes de su extraño y terrible destino al que parece que nunca puedan llegar a controlar”.

Con “She” Sarfati se centra en la relaciones e interacciones entre cuatro mujeres pertenecientes al mismo núcleo familiar. Cuando Lise conoce a Sasha y a Sloanne, las dos jóvenes hermanas de la serie, ambas se encuentran en un momento de adaptación cultural y psicológico, acababan de mudarse de la casa de su abuelo en las afueras de Phoenix al loft de su madre, Christine, en Oakland y la hermana de ésta, Gina.  Un proyecto que realiza entre Oakland, Berkeley, San Francisco, Los Angeles y Phoenix entre el 2005 y el 2009.

Si alguien tiene la suerte de andar por Santa Monica (CA) estos días puede pasarse por la ROSEGALLERY donde puede encontrar expuestos estos  dos últimos trabajos.

Si andáis por la costa este, concretamente por New York, lo mismo alcanzáis a ver algo suyo en la Yossi Milo Gallery .

Y un recurso más cercano es la Brancolini Grimaldi de London.

Os dejo la entrevista que le hicieron para The Guardian sobre la última expo que hizo allí

Para los que no tengamos esa suerte aquí os dejo el enlace a su web:

Lise Sarfati

Su página en Magnum.

Para los que tengan ganas de seguir leyendo os dejo el enlace de la revista ASX donde podéis encontrar unas cuantas entrevistas.

Y, en caso de que queráis descansar de lectura, siempre y cuando habléis francés (a mí me toco leer los subtítulos), ahí va un video sobre su trabajo “The New Life” .

Y la única entrevista que he encontrado en español que hizo para PHOTOESPAÑA.

Referencias: todas las de arriba, pues ésta es una rara ocasión en la que no he encontrado nada en Wikipedia. Así que si alguien se anima a hacerle la página es toda vuestra

Por lo demás que paséis un gran fin de semana y haced lo que tengáis que hacer.

Sandra Blanco

“La fotografía en general tiene mil lenguajes, lenguajes que a su vez encuentran mil aplicaciones. Yo en mi trabajo personal me reconozco mucho más en la condición de poeta que en la de periodista o artista. Creo que es un término que afortunadamente todavía no está contaminado y a mi me sirve para explicar el tipo de trabajo que hago” Ricky Dávila

Ricardo Dávila Wood nace en Bilbao en 1964, de madre estadounidense lo que le permite gozar de la doble nacionalidad que será determinante para el inicio de su carrera. Mientras estudia Biología en la Universidad del País Vasco, trabaja al tiempo en un taller local de fotografía que le despierta el gusanillo por la materia hasta el punto en que tras licenciarse en el 89 en la U.P.V. en lugar de buscar trabajo en el campo científico, por el que se siente poco atraído, se marcha a estudiar fotografía al ICP de New York, donde se gradúa en el 91, año en el que regresa a España y se muda a Madrid.

Comienza a trabajar para el diario El Sol y poco después para la agencia COVER, donde aprende todo lo que puede del fotoperiodismo puro y duro.

En el 94 recibe el premio Ortega y Gasset por su reportaje “Herederos de Chernobil” por el que también recibe el Fotogranprix y el segundo premio de reportaje de Word Press Photo 93.

En esta época también es editor gráfico de la revista El Gran Musical y colabora para el País Semanal. Con “Pescadores en Gran Sol” recibe en el 95 el Fotopress y con “Cochabamba, Bajo el Peso de la Ley 1008”, reportaje que realiza ese año en una cárcel boliviana gana el segundo premio Best American Picture of the
Year en E.E.U.U. Pese a todos lo reconocimientos en el campo del fotoperiodismo, Ricky considera que ha alcanzado su techo y comienza a desmarcarse poco a poco.

Jamás ha tenido problemas con la fotografía de encargo que es la que le da de comer y le permite desarrollar su trabajo personal, retratos de personajes conocidos, fotografía de moda… Encantado de dejar, según sus propias palabras, al poeta en la puerta y centrarse en llevar el acabado final al más alto nivel, vivir la competencia del medio con el estímulo adicional de la publicación inmediata. A modo de anécdota, uno de esos encargos en 2008 fue documentar la construcción del atunero Alakrana en los astilleros de Erandio, que como muchos recordaréis sería secuestrado durante 47 días en octubre de 2009 mientras faenaba en Somalia.

Con el cambio de milenio se centra más en su fotografía más personal, co-edita la revista de cultura y tendencias Submersia ,comienza a exponer tanto en colectivas como individuales y se publica su primer libro “Retratos”. El giro al trabajo más personal se denota en su trabajo “Manila” resultado de sus viajes entre 2001 y 2003 que recibe el premio al mejor libro del año Photoespaña 2005.

Para Dávila el cambio al digital tampoco le supone trastorno alguno, su flujo de trabajo se ha acomodado a las tomas en RAW, la postpro e imprimir la copia física, evitando la perdida de la imagen el limbo del ordenador. Disfruta del digital pues considera que ha recuperado la alquimia doméstica cambiando el laboratorio analógico (y aquí soy plenamente consciente de que a algún lector le va a dar un ataque por lo que ya me disculpo por adelantado) por las impresoras de chorro de tinta. Considera internet no sólo como un medio donde encontrar información, formación y sobreinformación sino también como un vehículo para que “en la gente y en los creadores, sobre todo los documentalistas, se despierte la conciencia de que no todo tiene que pasar por el aro mediático”.

En la actualidad vive en Bizkaia y continúa repartiendo su actividad entre el trabajo comercial y sus proyectos de autor.

Para los que queráis seguir indagando aquí tenéis el enlace a su página web.

También os dejo una entrevista realizada cuando presentó “Nubes de un Cielo que no Cambia” en la Casa América en Madrid, pese a que el ángulo de la cámara del primer minuto y medio me ponga mala: YouTube

Y las referencias:

Una entrevista dentro del marco de Photoespaña

Otra para la revista digital Xatakafoto

Y para El Círculo

Un par de artículos de El País y Público

Y la última, pese a que siempre suele ser la primera: la todopoderosa Wikipedia

Buen fin de semana, os dejamos para ir a SegoviaFOTO 2012! Sayonara, baby! (o como dirían en la V.O. “Hasta la vista, baby!”)

Sandra Blanco

“Siempre me sorprende todas las cosas que la gente lee en mis fotos, pero también me divierte. Quizá se deba a que no tengo una idea específica en la cabeza cuando trabajo. Mis intenciones ni son feministas ni políticas. Trato de dar un doble o múltiples sentidos a mis fotos, lo que puede que de lugar a una mayor variedad de interpretaciones” Cindy Sherman

Nace en Glen Ridge, New Jersey el 19 de enero de 1954. Es la menos de cinco hermanos y poco después de nacer toda su familia se traslada a Huntington, Long Island. Pese a que crece en un ambiente para nada artístico, su interés se decanta por ahí y, aunque cuando llega el momento de ir a la universidad, su madre, profesora, le aconseja que escoja alguna asignatura relacionada con la enseñanza no obstante y contanto con el apoyo familiar ella se decanta por la pintura en la State University College de Buffalo. Enseguida se percata de ciertas limitaciones de esta disciplina que no le gustan nada y comienza a estudiar fotografía. Allí es donde conoce a otro artista Robert Longo, al que le unirá una relación sentimental durante un tiempo pero con quien crea el Hallwalls Contemporary Arts Center, junto a otros compañeros de estudios como Diane Bertolo, Charles Clough, Nancy Dwyer y  Michael Zwack, destinado a exponer trabajos jóvenes de artistas de diversas disciplinas.

Para conseguir los créditos que necesita para mantener su carrera universitaria enfocada a la fotografía, Sherman repite el curso con Barbara Jo Revelle quien la introduce en el mundo del arte contemporáneo. Por otro lado, es Robert Longo quien la anima a documentar el proceso de acicalarse cuando sale de fiesta.

En el 76, después de graduarse se muda a un loft en la parte baja de Manhattan, en Fulton Street y es allí donde comienza a la serie que será conocida como Untitled Film Stills, en estas fotos Sherman dispara sola en su estudio, caracterizándose y metiéndose en el papel de actrices de películas de serie B. Para nada son autorretratos, sino creaciones de personajes de ficción en los que la autora no se reconoce. Estos personajes creados son muy variopintos y van desde el estereotipo del ama de casa de la época a prostituta, la mujer llorando, la bailarina…

Evita poner títulos a las imágenes para conservar la ambiguedad y despersonalizar. Cindy da por concluido el proyecto en 1980 cuando se le terminan los clichés, ese mismo año se expone en la Metro Pictures Gallery de New York con una gran acogida de entre el público y la crítica.

También ese año, con su serie “Rear-Screen Projections” Sherman de el paso del blanco y negro al color. Un año más tarde la revista “Artforum” le encarga un trabajo para que se convierta en uno de los temas principales de un próximo número y Cindy presenta una serie de fotografías donde la cámara situada sobre casi cenital recoge la imagen de los personajes de Sherman en el suelo o agazapados en un sofá en un estado ausente. Serie que es rechazada, junto a otra en la que aparece con una bata rosa, por la editora de Artforum quien afirma que las imágenes pueden ser malinterpretadas.

Un poco cansada de fotografiarse a sí misma continuamente, comienza en el 85 la serie llamada Disasters and Fairy Tales, por primera vez en su carrera Sherman está ausente, utilizando en su lugar bodegones en ocasiones con partes de maniquís o prótesis corporales.

Vuelve a convertirse en su propia modelo nuevamente para la serie History Portraits que realiza entre 1988 y 1990 basada en famosas pinturas de artistas europeos, caracterizándose como los personajes de esos cuadros con ayudas de prótesis. Y pese a que cualquiera puede pensar que es una época en la que Sherman no sale de los museos, aunque en esos momentos se encuentra viviendo en Roma, su fuente de inspiración viene de libros más que de ver las pinturas directamente.

A principios de los 90 y debido sobretodo a la controversia generada por la NEA con fotógrafos como Robert Mapplethorpe y Andres Serrano, Sherman se aventura a crear la que ahora es conocida como las “Sex Pictures” una serie en la que nuevamente Sherman está totalmente ausente y usa maniquí y prótesis en poses con una alta carga sexual. Una serie a todo color creada para escandalizar.

Su matrimonio con el video artista Michel Auder le introduce en el mundo de celuloide y así en el 97, debuta como directora con Office Killer en el 97, llegando también a realizar algunos cameos en la serie cómica Pecker.

También llaman a su puerta diseñadores, firmas y revistas de moda para que realice alguna de sus campañas. El Vougue francés, Harper’s Bazaar, Marc Jacobs para los que Sherman realiza trabajos que para nada reflejan el glamour del mundo de la moda si no que podrían considerar todo lo contrario con modelos cansadas, tristes, mentalmente perturbadas…

Se puede decir también que Sherman alcanza las mieles del éxito a una edad relativamente joven y que su trabajo ha evolucionado notablemente a lo largo de su carrera. Sus fotografías se encuentran entre las más cotizadas en el mundo del arte.

Sigue viviendo y trabajando en New Work, representada por varias galerías en varios países del mundo, receptora de diversos galardones también, quizá uno de los reconocimientos más actuales sea la retrospectiva que acaba de inaugurarse en el MoMA de New York y que estará hasta el verano. Os dejo el enlace por si algún afortunado pasa por allí estos días y donde podéis ver más trabajos suyos:

MoMA: Cindy Sherman

Os dejo también un par de artículos de El País y El Mundo al respecto. Los que no, siempre nos podemos pasar por la Fundación Teléfonica, que algo tienen de ella en su colección permanente.

Buen fin de semana y buena suerte!

Sandra Blanco

Referencias:

Wikipedia

Hallwalls Comtemporary Arts Center

http://www.cindysherman.com/index.php (no es oficial, pero algo más podéis encontrar ahí también)